El coreógrafo, bailarín y cineasta mexicano César Brodermann sostiene que la danza y el arte contemporáneo en general permiten explorar a partir del cuerpo cosas que no existen, pero los conceptos de sus creaciones escénicas con su compañía Aterno siempre son acerca de la humanidad.
“No pienso en la creación del arte como algo separado a la vida”, comenta Brodermann en vísperas del debut de Aterno en el Palacio de Bellas Artes con su pieza Traslado permanente, este jueves 9 de julio.
El Premio Nacional de Danza Guillermo Arriaga 2023 y ex integrante de las compañías Gallim Dance de Nueva York y Batsheva de Tel Aviv presentó a finales de agosto de 2024 la obra en la explanada de la Espiga del Museo Arte Contemporáneo (MUAC), en el Centro Cultural Universitario de la UNAM, y ahora la lleva a un teatro cerrado como parte del festejo del 80 aniversario de Palacio de Bellas Artes.
Brodermann (México, 1995), que se define como “artista multidisciplinario queer”, refiere que los dos espectáculos simultáneos en la versión de Traslado permanente en el MUAC, a los que los espectadores sólo podían ver uno por cada lado, ahora en el teatro principal de Bellas Artes se ajustan con la escenografía de Raúl Mendoza y Dania García para que el público experimente los dos shows.
“Fue ciertamente difícil, pero me encantan los desafíos. Imaginé que el espacio teatral no se sienta como un sistema lejano. Y el muro, que antes dividía a los espectadores, ahora va a estar girando constantemente para que la gente evoque esa sensación de simultaneidad”, comenta el artista a MILENIO.
Traslado permanente aborda el tema de la migración humana y sitúa al cuerpo en el centro de un paisaje emocional inestable marcado por la presencia simbólica de un muro móvil, a través de dos planos simultáneos ocupados por ocho performers: los bailarines Éric Soto, Michelle Temoltzin, Angie Albarrán, Aislinn Jiménez, Aimé Irasema Sánchez, Salvador Sánchez, Alfredo Gaytán y Alex Corzetti.
Discutió el proceso creativo con sus bailarines para no pensar que el espacio es diferente y que la obra de 60 minutos puede existir en espacios públicos o cerrados, pero sobre todo que se entendiera por qué debe romperse, ahora para la función única en Bellas Artes de la temporada Danza 80 Movimientos.
“Para nosotros es la esencia del por qué estamos intentando pasar nuestros límites y romper el muro. Y si lo hacemos con todo nuestro cuerpo, con toda nuestra insistencia, resistencia, persistencia, la obra va a seguir hablándonos, aunque estén un poco más lejos del espectador en un teatro”, expone el artista.
- ¿Cómo logra llevar conceptos tan fuertes como la migración, a lo visual, a lo sonoro, en coreografías como Borderline, Regreso, El concreto es eterno o ahora Traslado permanente?
- Es que no pienso en la creación del arte como algo separado a la vida en general. Cuando estoy en un proceso creativo como Traslado permanente o El concreto es eterno todo mi día pasa por esos tránsitos. Cuál es mi traslado de todo el día, cuándo me canso más, cuándo menos, con quién convivo, con quién observo. Y desde ahí siento que va naciendo esta necesidad de crear un mundo completo.
“Y ya cuando voy conceptualizándolo hacia lo visual, hacia lo escenográfico, hacia lo sonoro, ya no se siente solo como un elemento extra, sino que se siente que el mundo se va hablando por sí. Y algo que me gusta mucho pensar es que la pieza siempre está allá, más arriba de nosotros, que algo aquí tangible. Y si todos estamos imaginando eso allá en colectivo, en Aterno, podemos alcanzar o lograr llegar un poquito más cerca al concepto entre todos en vez de solo yo imaginarlo y yo ponerlo”.
-¿Sus obras son entonces procesos colectivos?
-Aterno es muy en colectividad, muy en colaboración. Por ejemplo, me gusta mucho cuando Jésica Elizondo, nuestra iluminadora, viene con ideas y vamos compartiéndolas y eso afecta a un bailarín cómo va pensando la obra. Conceptualmente, todas mis obras siempre son acerca de la humanidad: Regreso, acerca de regresar a la infancia, al juego; El concreto es eterno, sobre los sistemas de identidad que podemos ir rompiendo; y el tema de migración en Traslado permanente es muy humano, todos buscamos movernos geográficamente para encontrar otras formas, personas, lugares.
-¿Y dónde queda el cuerpo, ya que hablamos de piezas coreográficas?
- Todas mis piezas coreográficas se crean desde el cuerpo. Más allá de contar una historia o pensar “vamos a hacer esto y va a terminar en esto”, siempre me gusta mucho explorar el cuerpo, llevarlo al límite, a espacios nuevos. Y de ahí se va creando la dramaturgia corporal más que la dramaturgia narrativa. Siempre termina teniendo una narrativa porque la gente que ve la obra tiene ya una experiencia propia; entonces, me gusta mucho darle esta apertura a la gente. Las obras son una oportunidad para que las personas sientan; a veces acaban llorando o riéndose, sintiendo algo que a veces ni pueden expresar. Por eso hacemos estas piezas: para que sientan algo nuevo en sus cuerpos.
- Si sus obras abordan temáticas sociales tan importantes, ¿cómo evitan lo discursivo?
-Estamos abordando siempre problemáticas sociales que son muy complejas y pasan en todo el mundo, pero siempre las llevo a mi propia experiencia y la de las personas con las que estamos trabajando. Nunca he pasado de mojado al otro lado del muro fronterizo con Estados Unidos, pero tal vez podemos empatizar o sensibilizarnos un poco acerca de estas experiencias que la gente tiene que hacer porque realmente pienso mucho en la necesidad. Estas obras también para mí son una necesidad que requiero expresar. Y al pensar eso podemos empatizar más y hacer estos discursos más abiertos.
“Sí busco romper un poco esta idea de narrativa, de este es un personaje que va a representar a una persona que cruza. Más bien es esa idea, esa ideología de qué me hace sentir en el cuerpo y lo llevamos a la abstracción del cuerpo. Y eso siempre funciona de alguna forma porque nos lleva a lugares nuevos. La danza y el arte contemporáneo específicamente nos dejan explorar cosas que no existen. Para mí es pensar mucho en fantasías, en sueños, en lugares que no existen y ahí es donde mis obras toman lugar”.
-Y como coreógrafo, ¿cómo es su diálogo con otros cuerpos, que en Aterno son muy diversos?
-Algo que me gusta mucho de Aterno es que es un espacio donde hay personas de Irapuato, de Monterrey, de Colima, de todos lados, que vienen de contextos diferentes. Algunos entrenaron en hip hop, otros en ballet. Pero todos estamos explorando nuestro cuerpo para buscar un cuerpo más libre, más abierto. Y lo que trabajamos mucho en la compañía es justamente estas herramientas. Hacemos clases constantes de una hora en donde no nos detenemos, para buscar en la resistencia cómo mi cuerpo puede hacer nuevas formas de moverme, cómo puedo conectarme de nueva forma con otras personas.
“El trabajo que hacemos es muy exigente. Me gusta llevarlos a los performers a un espacio donde quieran también exigirse eso y llegar a esos lugares porque lo necesitan o quieren encontrar nuevas formas. Lo hago porque no es suficiente para mí el sentirme cómodo; me gusta buscar, explorar, tener curiosidad. Y desde ahí vamos encontrando. La coreografía se basa también mucho en la interpretación de cada uno de los bailarines; más allá de yo decirles bailen como yo y seamos ocho militares robots iguales, me gusta que sus experiencias se permean dentro de la obra. Y eso lo hace más humano”.
hc