Después de décadas de trabajo, César Oropeza decidió detenerse para mirar atrás. El resultado es EquiLibro, una publicación de más de 200 páginas que reúne pintura, escultura, cerámica, grabado e instalación, y también preguntas sobre la evolución, la memoria, el fuego y el cuerpo.
El volumen funciona como una bitácora de búsquedas en la que conviven fósiles, mujeres que levitan, cráneos prehispánicos, investigaciones materiales y paisajes abstractos concebidos como mapas de energía. El libro revisa distintas etapas de una trayectoria marcada por la experimentación y el deseo de comprender la relación entre el ser humano, la naturaleza y aquello que permanece invisible.
En entrevista con MILENIO, Oropeza reflexiona sobre el origen de este proyecto editorial y sobre las preguntas que continúan guiando su trabajo.
El libro que revisa la trayectoria de César Oropeza
¿Cómo nació la idea de reunir todas estas líneas de trabajo en un volumen?
Me parece que el tiempo pasó y tengo la sensación de haber vivido muchas vidas. Las obras son el vestigio de esa caminata; símbolos de identidad que revelan la experiencia de vivir en tiempos y espacios distintos, en técnicas e intereses recurrentes, en la búsqueda de ti mismo. De allí surge la necesidad de hacer un corte, un análisis de lo realizado, para mostrar lo que quiero decir y lo que aún me falta por transitar.
¿Qué significa el título del libro para ti?
Es un juego de palabras con ‘équilibre’ (equilibrio en francés). Desde el inicio de mi carrera me otorgué la libertad de seguir mis propios intereses, habilidades y gustos. Verlos ahora en retrospectiva me da una sensación de balance y un punto central de partida.
La materia ocupa un lugar fundamental en tu obra. ¿Qué historias puede contar una piedra?
Me parece que dejamos de escucharnos a nosotros mismos y que no hay claridad en ningún sentido. Las piedras siempre hablaron y tienen una leyenda que contar; los huesos, los tesoros que significan nuestros sedimentos. Pero hace mucho que nos alejamos del entendimiento sensorial y humano.
Has trabajado con roca, sílice, feldespato, arena, arcilla y fuego. ¿Qué te ha enseñado la materia sobre la condición humana?
La materia es una posibilidad casi mágica de plasmar una huella, y prácticamente cualquier material te permite hacerlo. El vidrio, el temple, el fresco o la arcilla te conectan con lo más primitivo y, al mismo tiempo, con el dominio más sofisticado de la materia. Esa dualidad es fascinante. Respecto a la condición humana, nos recuerda constantemente nuestro carácter efímero.
El fuego aparece constantemente en tu trabajo. ¿Qué representa?
El fuego es muy importante para mí: es hipnótico, vital. Es la imagen de la energía en efervescencia. Representa movimiento, origen y fin. Es una forma de renovación y trascendencia. Incluso puede ser un medio de protesta. En 2013 desarrollé el concepto de Arte para la Destrucción justamente a través del fuego. Podemos hablar de lo más espiritual y profundo o desaparecer la materia en cuestión de segundos.
En Tratados de la Energía y los Microcosmos parece existir una búsqueda de aquello que no vemos.
La serie nació durante una estancia en Madrid. La abstracción y el puntillismo me permitieron construir una alegoría sobre la energía presente en todo lo vivo y dinámico. Su parecido con imágenes biológicas o astronómicas responde precisamente a esa intención.
¿Puede el arte hacer visible aquello que la ciencia todavía no explica?
El arte siempre puede ser visionario y plantear escenarios o problemáticas que más adelante la ciencia descubrirá. La sensibilidad y la intuición suelen estar primero del lado del artista.
En varios momentos del libro se percibe una fascinación por la energía y las estructuras invisibles. ¿Qué te atrae de esos territorios?
Creo que la pintura, el dibujo y las artes visuales son ese portal, ese medio que permite traer a nuestra dimensión todo aquello que no vemos, pero sabemos que existe en algún lugar muy profundo de nosotros.
Uno de los ejes del libro es Ofrenda de la Evolución. ¿Por qué incorporar fósiles y cráneos a tu discurso artístico?
La única verdadera evolución es la biológica, porque responde a la adaptabilidad al medio, y me parece una gran metáfora. Además, vivimos en una época donde abundan las representaciones de calaveras, pero me interesa trabajar con osamentas reales, con referentes antropológicos concretos. Son prueba de nuestra historia y de lo que ocurrió para hacer posible nuestra existencia. Considero que deben conocerse como íconos de la nación.
¿La evolución es para ti un concepto científico o una metáfora?
Ambas cosas. Creo que es importante indagar todos los rasgos de una imagen, porque pueden revelar mucho más de lo que imaginamos.
Muchos de tus trabajos parecen mirar hacia el origen más que hacia el futuro.
Pienso que no hay futuro si no conocemos nuestro pasado y nuestro presente. El futuro es completamente una utopía y nunca lo alcanzamos. Sin embargo, existen imágenes, símbolos y preguntas que nos permiten reflexionar sobre esos umbrales.
Las mujeres que flotan, caen o levitan ocupan una parte importante del libro. ¿Cómo surge esa serie?
Las mujeres, como seres de sensibilidad y capacidades extraordinarias, son las protagonistas de la serie. Son vehículos de exploración emocional y universos complejos que describen distintas percepciones de la vida. Algunas desarrollan la capacidad de levitar; otras deciden caer. Tamayo decía que el arte debía aspirar a la poesía, y creo que eso define esta serie: las mujeres que duermen, las que vuelan, las que sueñan.
¿Qué buscabas replantear a través de esas imágenes?
Mi admiración. Mi poesía.
¿Crees que la historia del arte ha simplificado la representación de lo femenino?
Creo que lo femenino es un universo complejo que ha maravillado tanto al arte como a la ciencia. No considero que nadie pueda simplificarlo.
La búsqueda del artista
En EquiLibro conviven referencias científicas, arqueológicas, espirituales y filosóficas. ¿Forman parte de una misma búsqueda?
Más que una búsqueda, son los lenguajes con los que me expreso. La verdadera búsqueda es el autoconocimiento para comprender al otro.
¿Qué aprendiste sobre ti mismo durante el proceso de edición?
Hacer un libro implica analizar profundamente una vida dedicada a una actividad. Es una cápsula del tiempo que te hace pasar por distintos estados de conciencia. Te obliga a ser más crítico, más analítico y, al mismo tiempo, a redescubrirte.
Entre todas las obras reunidas en EquiLibro, ¿hay alguna que sintetice mejor tu trayectoria?
Creo que sería injusto para todas las obras una elección así. Todas tienen un valor especial relacionado con las personas involucradas, las edades y las vivencias. Pero, en particular, podría decir que la instalación en el desierto del Sahara me obligó a sacar toda mi energía, incluso para sobrevivir: toda mi creatividad y mi empatía con la gente que está allí refugiada y viva. Completamente viva.
¿Qué esperas que encuentre el lector en estas páginas?
Inspiración. Muchas imágenes que lo lleven a la reflexión y al regocijo.
Después de 210 páginas, ¿cuál es la pregunta que sigue sin responder César Oropeza?
¿Qué hay más allá del interior más profundo?
Próximamente
EquiLibro será presentado el 26 de noviembre de 2026 en el marco de una exposición retrospectiva dedicada a César Oropeza. Debido a que se trata de una producción independiente, el libro se encuentra en etapa de preventa, mecanismo que permitirá financiar parte de los costos de impresión y producción de la obra editorial.
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