Poco antes de morir, Jimi Hendrix (1942-1970) declaraba: “En el momento en el que sienta que no tengo más que ofrecer musicalmente, no me encontrarán en este planeta (…) No estoy seguro de llegar a los 28 años, pero ¿y qué?, me han pasado muchísimas cosas maravillosas en los últimos tres años. El mundo no me debe nada”.
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Hemos de ser agradecidos porque le debemos mucho al músico que, con solo cuatro discos, más múltiples ediciones póstumas y miles de grabaciones piratas, cambió la concepción de lo que podía lograrse con una guitarra.
Mucho se esperaba todavía de Hendrix, un revolucionario de la música, pero murió en Londres a los 27 años, el 18 de septiembre de 1970, en circunstancias que han dado lugar a teorías de lo más descabelladas. El dictamen oficial: ahogado en su vómito, causado por ingestión de somníferos y alcohol.
Rechazado por su padre, encontró en la música el antídoto contra la pobreza y el maltrato familiar. Dejó su natal Seattle para buscar fortuna en Nueva York. Conoció a Bob Dylan, quien lo inspiró a escribir sus propias canciones, y más tarde a Chas Chandler, quien lo llevó a Inglaterra e impulsó su carrera con The Jimi Hendrix Experience, que incluía a Noel Redding en el bajo y Mitch Mitchell en la batería.
Con este trío grabó Are You Experienced? (1967), Axis Bold As Love (1967) y Electric Ladyland (1968). Luego conformó Band of Gypsies con Billy Cox en el bajo y Buddy Miles en la batería, con quienes registró el álbum en vivo Band of Gypsies (1970).
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En Londres se convirtió en una estrella de rock que tocaba cosas sorprendentes, además de que ofrecía un grandioso espectáculo al llevarse la guitarra a la espalda, tocarla con los dientes, recurrir al feedback y a la distorsión para crear un sonido hipnótico. Incluso llegó a incendiarla, literal y metafóricamente.
Además lo logró en una generación de guitarristas de primera línea, como Eric Clapton, Jeff Beck y Pete Townshend. Pero, como advirtió Alexis Korner al presentar un concierto de Hendrix en la BBC: “Van a escuchar sonidos que nunca antes han escuchado”.
Considerado el dios de la guitarra, Clapton aceptó la superioridad del guitarrista cuando tocaron juntos: “Todos estaban atónitos. Claramente vi que se iba a convertir en una gran estrella. Mientras nosotros estábamos encontrando nuestra propia velocidad, él ya era la neta”. Jack Bruce, su compañero en el trío Cream, advirtió: “Jimi era una especie de fuerza de la naturaleza”.
SENSACIÓN DE LIBERTAD
A Hendrix las categorías le molestaban, no le gustaba el término rock psicodélico. Explicaba que su estilo era “mezcla de rock, blues y jazz, una música que se está creando, una música del futuro”. Prefería el término “música de sensaciones libres”.
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En sus discos se advierte que evolucionaba y buscaba seguir adelante: “Ya no quiero ser un payaso. Por eso ahora tocamos más y nos movemos menos. Últimamente no hemos prendido fuego a ninguna guitarra”, dijo en una declaración recogida en el libro Jimi Hendrix. Empezar de cero (Sexto Piso, 2013), que a modo de autobiografía recupera entrevistas con el músico con una rigurosa selección de Peter Neal.
El libro cierra con sus reflexiones en torno a la muerte: “Hay que morirse para que piensen que vales algo”, para concluir con un consejo que seguirán tomando en cuenta generaciones futuras: “Cuando muera, solo sigan escuchando mis discos”.
Para Mitch Mitchell, su amigo y compañero en The Jimi Hendrix Experience, el guitarrista “no era solo un artista de los 60, ni siquiera en el sentido más general. Ciertamente no puede ser ligado a ninguno de los movimientos musicales de los sesenta: el revival del blues, el rock ácido, el heavy metal o cualquier otro. Allí radica su cualidad inmortal: su música, como el hombre mismo, pertenecía a cualquier lugar, a cualquier tiempo, y existen muy pocos y valiosos artistas de los que se puede decir eso”.